Rainer Werner Fassbinder - Vol. 1 (1969) : le test complet du Blu-ray

PRENEZ GARDE À LA SAINTE PUTAIN
Espagne 1970 : dans un hôtel au bord de la mer, l’équipe d’un film attend le réalisateur, l’acteur et le matériel nécessaires au début du tournage. Jalousie, rivalité et désespoir minent progressivement cette petite communauté.

Prenez garde à la sainte putain (Warnung vor einer heiligen Nutte) (RFA 1970) de R.W. Fassbinder présente au générique, outre la famille fassbindérienne habituelle, des noms plus rares et intéressants : Lou Castel, Eddi Constantine, Werner Schroeter et Dick Randall (acteurs), le cinéaste Ralph (écrit sans le « h » final à son prénom) Zucker est producteur délégué. Savoureuses rencontres à mi-chemin du cinéma-bis, du cinéma de genre, et du cinéma underground. Le film est d’une vacuité totale : c’est une pochade hallucinante de nullité (quelques répliques savoureuses mises à part) dont on demande comment Fassbinder a trouvé le financement mais tout est possible : la preuve. François Bégaudeau écrivait dans les Cahiers du cinéma que le film est « une possible représentation de l’enfer ». Ajoutons : surtout pour le spectateur. L’anti-film sur le cinéma par excellence. Et le navrant faux-pas de ce coffret. Il y avait tout de même d’autres titres qu’on aurait pu choisir à la place, à moins que les essentiels ici rassemblés fussent les seuls longs métrages encore libres de droit, ce qui est aussi possible. Le sujet manifeste de ce titre étant le passage douloureux du possible au réel (du désir de tourner un film à la réalité effective du film) et une méditation secrète sur la pureté du désir et l’impureté de la fiction, on voit que nos remarques finales ne nous éloignent pas vraiment de son sujet.

LE MARCHAND DES QUATRE SAISONS
Hans s’engage vers 1950 dans la légion étrangère pour échapper à sa vie quotidienne allemande. Il devient ensuite policier puis, chassé de la police à la suite des fatales avances d’une prostituée, vendeur à la criée de fruits et légumes. Son mariage est miné par l’alcoolisme et la violence. Une crise cardiaque donne un nouveau tournant à son destin.

Le Marchand des quatre saisons (Händler der vier Jahreszeiten) (RFA. 1971) de R.W. Fassbinder est sorti à Paris le 9 octobre 1974. Il présente le versant réaliste de Fassbinder mais son réalisme est subverti régulièrement par l’irruption sobre du fantasme et par une critique sociale douce-amère qui devient vite violente et glacée. Admirable interprétation de la famille habituelle d’acteurs et d’actrices, dirigés d’une manière précise et sûre, avec une mention spéciale pour Hans Hirschmüller qui joue le marchand. La révélation érotique du corps d’Irm Hermann est encore aujourd’hui efficace et surprenante : Fassbinder sait, par-dessus tout, filmer et diriger les femmes. Notons aussi la vision quasi-psychanalytique des troubles psychosomatiques qui affectent le marchand, intégrés comme éléments « sensiques » à la dynamique du film. Rien que cet aspect du scénario indique qu’on ne peut le réduire à ce à quoi les critiques marxistes français les plus obtus tentèrent de le réduire en 1974. Il y a bel et bien un surréalisme de Fassbinder qu’il eût fallu prendre en compte et qui est, par exemple, sensible lors de la séquence du cimetière où la femme idéale et la femme réelle se rencontrent. La dialectique de la réconciliation impossible du désir avec les contraintes sociales est un thème constant de Fassbinder qui n’est pas réductible à la pâle critique politique de l’époque : elle atteint l’universalité (et un certain surréalisme fantastique) par sa profondeur.

LES LARMES AMÈRES DE PETRA VON KANT
La célèbre dessinatrice de mode Petra von Kant aime Karin, une jeune aventurière dont elle décide de faire un mannequin vedette. Karin devient sa maîtresse. Cette passion provoque d’étranges conséquences dont est témoin Marlène, sa dévouée secrétaire.

Les Larmes amères de Petra von Kant (Die bitteren Tränen der Petra von Kant) (R.F.A. 1972) de R.W. Fassbinder fut son premier titre exploité en France : seuls les critiques de festivals avaient auparavant visionné ses titres antérieurs. Son succès public et critique assura la distribution chez nous de la majeure partie de sa filmographie antérieure et future. C’est une adaptation théâtrale de sa propre pièce, filmée en un décor intérieur unique. Ajoutons immédiatement à l’attention de ceux qui seraient rebutés ou découragés d’avance par cette précision qu’il s’agit d’une des plus belles expériences - ou « expérimentation » si on préfère - de théâtre filmé. Ce huis-clos étouffant, tourné dans un décor unique, est intimiste, tendu, baroque et stylisé comme une épure. C’est un des titres de Fassbinder où le temps est le mieux manié. Ce n’est pas un hasard si c’est aussi un de ceux où l’espace offert à l’action est le plus réduit. C’est de cette relation dialectique (qui fait porter sur le réalisateur et les actrices tout le poids de la démonstration) que naît son impact souvent à couper le souffle. Et son thème n’est pas rien dans la fascination qu’il provoqua à l’époque puisqu’il traite sur un mode à la fois réaliste, réflexif et élégiaque des amours lesbiennes. Le thème mériterait qu’on lui consacrât un livre entier tant il est riche dans l’histoire du cinéma. Qu’il suffise de comparer Les Biches (Fr.-Ital. 1968) de Claude Chabrol à ce Fassbinder de 1972 pour avoir une idée de la variété et de la profondeur des traitements dont il fut passible.

MARTHA
1973 Italie puis R.F.A  : alors que Martha Heyer visite Rome en compagnie de son père, ce dernier meurt d’une crise cardiaque. Elle croise une première fois Helmut Salomon qui remarque son beau visage. De retour en RFA, elle l’épouse. Salomon s’avère un sadique exerce dorénavant une terrible emprise sur Martha. Elle tente d’y résister mais le destin va en décider autrement.

Martha (RFA 1973) de R.W. Fassbinder est un téléfilm d’origine tardivement exploité en Allemagne comme en France (où il sortit le 03 janvier 1996) car l’écrivain américain Cornell Woolrich exigeait la mention de son nom au générique, assurant que le scénario reproduisait une de ses histoires, à quoi Fassbinder répondait qu’il ne l’avait pas lue avant le tournage. L’affaire traîna 20 ans avant que la justice impose la mention du nom de Woolrich au générique et permette sa distribution. Il vaut bien des films cinéma en raison de sa puissance dramatique et visuelle : démentiel scénario, démentielle interprétation de Karl-Heinz Böhm et Margit Carstensen, géniale mise en scène. Son scénario serait inspiré, selon certaines sources, par la vie de l’actrice américaine Martha Hyer. Selon d’autres sources, c’est uniquement son titre qui serait un hommage à son prénom car Fassbinder l’avait admirée dans les rôles qu’elle tenait pour Douglas Sirk (1957) et Vincente Minnelli (1958).

On pense d’abord (et il ne faut pas s’y méprendre : il faut attendre patiemment une demi-heure que l’action prenne son envol, à partir du mariage) que le film est une comédie acide mais le drame, la violence, la démence remplacent bien vite cette tonalité initiale. Fassbinder s’est souvenu, de toute évidence, de certains films classiques de Sirk, de Cukor et d’Hitchcock dans lesquels l’héroïne croit vivre un rêve en se mariant et où son mariage se révèle un cauchemar mettant sa vie et sa raison en péril. Le traitement plastique de l’image couleurs demeure très impressionnant et surprenant encore aujourd’hui : le grandiose travelling panoramique à 720° autour de Martha lorsqu’elle rencontre Helmuth, les encadrements de celui-ci dans la porte de sa maison à son arrivée et à son départ (qui installent un suspense de plus en plus tendu et névrotique), la scène finale dans l’hôpital sont quelques exemples, parmi bien d’autres, du traitement à la fois classique et baroque de cet authentique film noir, confinant souvent au fantastique. Tourné en 16mm avec pratiquement le même objectif (au sens focal du terme) tout du long, il vaut bien des 35mm gros budget du point de vue technique. Autre aspect savoureux : la brève séquence des veuves, assez intéressante car son esthétique et son érotisme annoncent le traitement du sujet dans l’histoire française du cinéma et de la vidéo pornographique des années 1980-1985. Bien qu’il soit moins connu que d’autres Fassbinder, Martha est un chef-d’oeuvre à redécouvrir.

TOUS LES AUTRES S’APPELLENT ALI
RFA, 1973 : Emmi, veuve allemande d’une soixantaine d’années et femme de ménage, fait la connaissance d’Ali, célibataire marocain d’une trentaine d’années et ouvrier dans une usine de voitures. Ils vivent une passion sincère et se marient mais la famille, les enfants et l’entourage d’Emmi ne supportent pas cette union. Le couple est mis à l’écart mais lutte pied à pied pour sa reconnaissance sociale.

Tous les autres s’appellent Ali (Angst essen Seele auf) (RFA 1973) de R.W. Fassbinder est sorti à Paris le 05 juin 1974. C’est le seul titre de ces coffrets dont le titre français d’exploitation - intelligent - ne traduise pas le titre original La peur détruit l’âme. C’est lui qui a permis, du point de vue de l’histoire de la réception française de l’oeuvre fassbindérienne, d’équilibrer la balance. Il s’agissait d’une oeuvre moins expérimentale esthétiquement, au thème sociologiquement à la mode et doté d’un casting très surprenant. Qu’on y songe seulement : réunir une actrice allemande de presque 60 ans, un acteur marocain inconnus à l’actrice Barbara Valentin (surnommée la « Jayne Mansfield allemande ») célèbre auprès des connaisseurs de cinéma-bis pour son rôle en vedette dans La Mort dans le Filet (RFA 1959) et au producteur-réalisateur-scénariste (mais aussi acteur à l’occasion, comme ici) Adrian Hoven connu des mêmes spectateurs pour son célèbre La Marque du diable(RFA 1970) : il fallait oser ! Et ce mélange est, de fait, réussi en raison d’une constante variété de ton, soutenue par une tension non moins constante. C’est un film de séquences autant qu’un film unifié de l’intérieur. Le projet fassbindérien de peindre une histoire comme une sociologie et une psychologie (individuelle comme collective) de l’Allemagne par épisodes s’y confirme en profondeur.